border=0

Italjaansk renêssânse

Renaissance as in fenomeen fan kultuer hat yn Itaalje ûntwikkele. De perioade fan 'e XIII oant de XIV ieu wurdt somtiden de Proto-Renaissance neamd. Op dit stuit wurke de dichter Dante Alighieri, de arsjitekt Arnolfo di Cambio, de byldhouwer Nicolo Pisano, de skilder Pietro Cavallini ...

Ferskate faktoaren levere oan by de kulturele ûntjouwing fan Italië:

1. Fragmentaasje fan Itaalje, dy't liedt ta konkurrinsje tusken stêden.

2. De krisis fan Byzantium, har hjerst yn maaie 1453.

3. It idee fan 'e ûnfolsleinens fan' e ynspanning fan 'e wrâld en minsklike natuer. Dizze faktor is dúdlik manifestearre yn it wurk fan Botticelli, de Madonna, neffens N.A. Berdyaev, "der is in >

4. De steurigens fan 'e nije trends yn' e kultuer mei de dogmatisme fan 'e Katolike Tsjerke. Dit kin dúdlik wurde sjoen yn it libben fan Girolamo Savonarola (1452-1498). Dizze Dominikaanske muonts wurke hast monastyk fûneminten yn Florâns. Hy wegere de filosofy, dy't leauwde dat "de iennichste goed troch Plato en Aristoteles dien is, dat se mei arguminten kamen dy't tsjin kertier brûkt wurde kinne. Wol binne sy en filosofen yn 'e hel. Alde frou wit mear oer leauwen as Plato. It soe tige goed wêze foar it leauwe as in soad boeken dy't ienris brûke soenen de boeken ferneatige hawwe. " Ut dizze tekst folget dat de winsk om de boeken te bringen wurdt net diktearre troch fanatisme, mar troch de winsk om it leauwe te behâlden en te fersterkjen. Savonarola, wylst er lykwols trou bleau oan it katolisisme, krige de poppen krityk kritike, wêrmei't hy yn 1498 útfierd waard.

Yn 'e renêssânse wie de keunst tige intensyf te ûntwikkeljen. Dit waard fasilitearre troch ferskate omstannichheden. Earst, yn de XV ieu, waard de teory fan artistike praktyk ûntwikkele. Hjir waard in wichtige rol spile troch it wurk fan Leonardo da Vinci, yn hokker sjogge die teory en praktyk yndielbere. Leonardo da Vinci yn syn traktaat "On Painting" stelt: "Dejingen dy't yn 'e praktyk sûnder wittenskip ferlieze, binne as helmers, swimmen sûnder rudder en kompass." Twadder is de ferbettering fan nasjonale talen, har ynteraksje mei de Latynske en Grykske talen. Yn 'e renêssânse is it proses foar it opsetten fan nasjonale talen as middel om wittenskiplike en kulturele wearden te ekspresje. Dit proses wie hiel pynlik, om't allinne wurken skreaun binne yn 'e Grykske of yn Latyn, waarden algemien erkend as wichtich. De nasjonale talen waarden as barbaar erkend, hoewol de útsûnderings wiene Italjaansk en Spaansk. Werken waarden lykwols publisearre yn 'e ferdigening fan nasjonale talen, wêrtroch't de lêste lêst ûntstie en fruchtbere grûn foar it groei fan nasjonale kultuer te ûntwikkeljen. Bygelyks it wurk fan de skriuwer Tom Sebillet (1512-1589) "Frânske poëtyske keunst", Joatin du Bellet 's oerlis (1522-1560) "beskerming en ferhearliking fan' e Frânske taal". Dêryn ûntwikkele de nasjonale verbale keunst tige dynamysk, fette fette eksperiminten. Benammen ferbettere poëzij. Dus, Tom Sibylle yn 'e traktaat "Frânske poëtyske keunst" identifisearret ferskate soarten poëtyske genres:

In sonnet is in gedicht mei in lyts tal linen, mar de lêste twa of trije linen befetsje it haadidee fan 'e sonnet.

It epigram is fergelykber yn foarm foar in sonnet, mar, yn tsjinstelling ta in sonnet, kin it ynformaasje fan ferskate ynhâlden befetsje, net needsaaklik ferbûn mei djippe geastlike ûnderfiningen. De tema 's fan' e sonnet binne strang, en de gedachten yn it ynboude binne relatyf djip. De epigram hat in spitigernôch, komysk karakter.

Rondo is in poëtyske genre fan in spesjale foarm. It Frânske wurd rondo betsjut in sirkel . It gedicht yn 'e foarm fan rondo, doe't er syn ynhâld útfûn hat, einiget mei de line mei hokker it begon. Dizze werhelling fan 'e rigel by it begjin, oan' e ein, en ek yn 'e midden, is genôch oan it ear mei genede en sêftens. Yn de XVI ieu wie dit genre tige seldsum.

Epistola is yn 'e foarm fan in berjocht stjoerd nei in ôfwêzige persoan om ynformaasje te kommunisearjen.

Elegy is troch de natuer dreech en fertelt, as regel, ûngelokkige leafde.

Der binne ek gedichten skreaun yn konversaasjale styl. Yn sokke gedichten binne ideeën faak yn 'e dialooch útdrukt. Dizze foarm waard ek brûkt om filosofyske traktaasjes oant de nije tiid te skriuwen. T. Sibille identifisearre trije soarten dialooch: eclog, moraal, farce:

Eglog ûntstie út 'e Griken, en de Romeinen namen it fan har. Yn 'e eclog binne de helden benammen hoederen, te advisearjen oer filosofyske en politike problemen. Eclogues wurde soms neamd neamd.

Morality is oer wichtige eveneminten en basearre op Grykske en Latynske trageedzjes. Yn 'e moraal is der in soarchfâldige delineaasje fan elke karakter, jûn syn psychologysk portret. Formen fan fers yn 'e moraal wurde willekeurich keazen en faak mingd mei elkoar.

Farce is in Latynske komeedzje wêryn't it be>

Wichtige feroaringen binne binnen de arsjitektuer. Sa, oant de XIV ieu, krige it skolastykprinsipe fan korrekte prestaasjes en dúdlikheid fan kleur "konsonatia et claritas", yn oerienstimming mei hokker skientme begon wie as in formele ienheid fan diel en helderheid, besjoen fan it perspektyf fan wiskundige mjittingen. Alberti León-Batista (1404-1472) yn syn wurk oer Arsjitektuer leart it prinsipe fan "concinnitas", dat is harmony . Hy skriuwt: "De skientme is in string proportionnele harmony fan alle dielen ...". Neffens Alberti is de essinsje fan 'e pracht net yn prestaasjes, mar yn harmony. Hy skriuwt oer de trije eleminten dy't skientme meitsje: nûmer (numerus), beheining (finitio) en pleatsing (collocatio). De krekte kombinaasje fan dizze trije eleminten - "concinnitas" - foarmje skientme.

Grutte súkses yn 'e Renêssânse rint skilderjen. Yn de 15e ieu waard oalje skilderij yn Flanders wiidferspraat. Earder yn Jeropa wie dit soarte skilderij seldsum (en de earste oaljefanten waarden brûkt troch buddhistyske muontsen yn 'e 7e ieu, dy't koartlyn ûntdekt waard troch Japanske argeologen yn Afganistan yn it Bamiyan-dal). Skilderjen yn algemien, as in soart keunst yn 'e Renêssânse-Europe, krige in djipte teoretysk begrip. Artysten fan 'e renêssânse op har kanten hawwe feitlik mingd religieuze en sielige tema' s mingd: hja joegen religieke bylden oan wrâldske tekens en, op itselde, besocht religieuze ûnderwerpen yn in wrâldsûntwerp te ekspresje. Hielendal fertsjintwurdige it idee fan 'e dominaasje fan skilderjen oer oare foarmen fan keunst en wittenskip troch Leonardo da Vinci. Yn syn traktaat It Boek fan Skilderjen tekentt er omtinken foar it feit dat de wittenskip benammen basearre is op ymotaasje. "De wittenskippen dy't tagonklik binne foar it ymportearjen binne sa, dat troch har learaar fergelike wurdt mei de skepper en ek produkten fan syn frucht. Se binne nuttich foar de ymator, mar net as nofliker as dyjingen dy't ferovere wurde kinne, lykas oare materiaalguod. Under har skilderjen is de earste. Se sil dejinge dy't de natuer net liedt, lykas yn 'e wiskundewittenskippen, dêr't de learling sa folle leart as de learaar him lêzen hat. It kin net kopieare wurde, lykas de letters, wêr't it kopy as weardefolle is as it orizjinele. It is ûnmooglik om in yndruk út te meitsjen ... it makket net in unfinityf tal bern, lykas gedruckde boeken ... allinne jout pracht oan har skepper en bliuwt weardefolle en unyk en hat nea bern berne dy't harsels lykweardich binne ... ". Yn 'e ûntwikkeling fan skilderjen as in yntegraal komponist fan' e kultuer, ûnderskiedt Leonardo da Vinci troch it feit dat, as bewiisd is troch in oantal ûndersikers (bygelyks VP Sheshtkov), syn anthroposintrisme is folle breediger as dat fan in protte hjoeddeistige masters. De wrâld fan 'e keunst da Vinci bepaalt net allinich de minske as sadanich, mar alles dat him omkrint.

Yn it skilderij seit Da Vinci in middel om it plak fan 'e minske yn' e wrâld te witten, in ynstrumint om de meast komplekse relaasje tusken minske en wrâld oer te jaan, de relaasje tusken dingen en fenomenen. Oer it probleem fan artistike praktyk identifisearre Leonardo tsien "echte prinsipes fan skilderjen": ljocht, tsjuster, kleur, lichem, figuer, plak, ôfstân, yntimiteit, beweging, frede. Leonardo da Vinci fersterket kennis fan perspektyf. It konsept fan perspektyf (ik sjoch it dúdlik fan 'e Latynske perspicio ) wurdt besjoen as in systeem foar it opstellen fan' e objektive wrâld op in fleantúch, neffens de fisuele wittenskip fan objekten troch in persoan. In linear perspektyf is in manier om romtlike sifers op te stellen op in fleantúch mei in sintrale projektje wêryn in willekeurich punt, of teken, keazen wurdt om yn 'e romte fan it fleantúch te orientearjen en de prestaasjes fan' e sifers goed te sjen. It omkearde perspektyf is in systeem fan betingsten techniken dy't brûkt wurde om de volumetrike romte op in fleantúch te ferfangen. De lineêre perspektyf, basearre op it kennis fan wiskunde en de wetten fan 'e optyk fan Brunelleschi, wurdt komplementearre troch de middel fan loftperspektyf , de essinsje wêrop dat formulearre is yn de rekords fan Leonardo da Vinci: ". It loftperspektyf befettet wizigingen yn 'e kleur en dúdlikens fan' e omkriten fan in objekt fan in distânsje. Leonardo beskriuwt de ynteraksje fan ljocht en skaad, de ôfhinging fan skaad en ljocht op 'e tichte lucht, op ljocht boarnen. Ljocht-tsjuster yn teory en praktyk fan Leonardo is de universele middels dêr't de keunstner in persoan en syn miljeu befetsje; Ek skientme wurdt troch him begrepen as in gradaasje fan skaad.

Lykwols, yn 'e foarbylden fan Leonardo da Vinci kinne de tekens fan' e krisis fan 'e Renêssânse dúdlik sjogge, en it wichtichste is de krisis fan' e persoan sels. De lêste dy't him besocht yn 'e minske-fertsjinjende hypostasis te festigjen, of hy beskôgde syn minsklike hypostasis as in ferhâldende godlike, die him direkt ôfhinklik fan' e submap-fysike wrâld om him hinne. De trageedzje fan dizze situaasje is dat de persoan fusearre is mei de wrâld, dy't net allinich is imperfect, om't de dea yn har tagong is, mar ek foar de minske. Leonardo da Vinci hat in soart gefaar net nedich, en hy leaude dat de minske organysk ferbûn is mei de objektive wrâld. Dus, it earste plak yn 'e skilderingen en oare wittenskippen en keunsten, sei Leonardo: "Skilderjen is in wittenskip en de legitime dochter fan' e natuer, om't it berne is fan 'e natuer." As de keunstner, lykas Leonardo skriuwt, "de skilder fan 'e skilder as in spegel wêze moat, dy't altyd yn' e kleur fan it foarwerp feroaret dat it as objekt is en folle is mei safolle bylden as der binne objekten dy't tsjinje." It probleem is dat mei al it ferskaat fan 'e eksterne wrâld it minske bewustwêzen in breedere fertsjintwurdiging fan dingen fan in spirituele en fysike natuer kin as de wrâld dêr't de yndividuele libje oanbiede kin.

In persoan, dy't it idee fan 'e wrâld fan God ôfwykt, moast de skepper fan syn minsklike wrâld wurde. Yn 'e Renessânsje is der in skepping fan kognitive be>skepper brûkt yn it kontekst dat earder mear akseptabel wie foar God as minske . Leonardo da Vinci sels leaude dat it wurk benammen nuttich is, de betsjutting dêrfan is objektyf, en dat wurk is it minste nuttich, de essinsje wêrop dat yn 'e subjektive erfaring fan' e minske begrepen is.

It is ek be>

De logyske útgong fan dizze prosessen wie de behertiging yn 'e kultuer net fan' e subjektiviteit fan geastlik ûnderfining, mar fan 'e objektiviteit fan wittenskiplike kennis. "Dat wittenskip is nuttich, de fruchten dy't it measte oanwêzich is foar it berjocht, en ek oarsom: it minder brûkber is de iene, dy't minder as foar it berjocht is," skriuwt Leonardo da Vinci.

Op it mêd fan muzyk wiene feroaringen yn 'e rjochting fan har sekularisearring. Yn 'e Midsieuwen waard muzyk ferdield yn wrâld, of angelik; minsklik en ynstrumintaal. Yn 'e 14e ieu stelde de Parijsske master fan muzyk, John de Groheo, foar it útstellen fan twa soarten muzyk, neffens har beropsnivo en har plak yn' e maatskippij. Earst, ienfâldige muzyk, of folk; en, twadde, it kompleks, of de wittenskipper. De Spaanske komponist Francisco Salinas (1513-1590), neffens de kapasiteiten fan in persoan, identifisearre trije soarten muzyk: 1) basearre op reden; 2) op it gefoel; 3) basearre op both mind and feeling. It lêste type is ynstrumintale muzyk. Yn 'e renêssânse waard it doel fan muzykteunst dúdlik artikulearre. Joseph Tzarlin (1517-1590) skriuwt yn 'e traktaasjes "Establishment of Harmony" oer: "Muzyk moat net studearje as in needsaaklike wittenskip, mar as in frije en weardige keunst, om't troch dat wy goed en weardich gedrach fiere kinne de wegen fan goede moraal, dy't twinge om oare wittenskippen te dwaan, nuttich en needsaaklik, en ek de tiid te fervjen. "

It beskriuwen fan 'e renêssânse, kin men net stil wêze oer it ferskinen fan in folsleine nije soarte fan keunst - in opera ferskynt yn Itaalje. De opera sels is in synthesis fan ferskate soarten keunst, lykas sjongen, dûnsjen, poëzij, teatris, dekorative keunst en muzyk. Elk fan dy soarten keunst, om te ferbannen mei oaren yn 'e opera, moast in >

De earste opera, Daphne, mei tekst skreaun troch Ottavio Rinuccini, in fertsjintwurdiger fan 'e Florentynske skoalle, en muzyk fan Jacopo Peri en J. Corsi, waard yn 1594 yn Florence presintearre, dat waard ien fan' e sintraasjes fan operatyske keunst. De skoare fan dizze opera hat ús dagen net berikt. De opera, wêryn't skoare bewarre bleaun wurdt neamd Eurydice, de tekst dy't yn 1600 skreaun waard troch Rinuccini, en de komponist wie Peri. Dizze opera ekspresje it idee fan betsjutting fan werom nei it ferline, dêr't in persoan ek de wei fan heil fynt en sjocht deselde ferkearing fan 'e wrâld dy't yn it ferline wie en bewarre bleaun yn' e hjoeddeiske.

Rome wie in oar midden fan frjemde Italjaanske opera. De heuvel fan 'e Romeinske Opera falt yn 1620-1640. Представителем римской оперной школы является Стефано Ланди, наиболее известным произведением которого является опера «Св. Алексей», поставленная в 1632 г. В этой опере на фоне религиозных сцен были вставлены элементы комедии, что было новым в оперном искусстве.

Другим представителем римской оперы является Лоретто Виттори (опера «Галатея»). Для римской оперной школы характерно гармоничное соотношение музыки с голосом певца, гибкость речитатива. Речитативы – это небольшие по размерам фрагменты, служащие для развёртывания повествования, способствуя продолжению раскрытия содержания оперы.

Представителем оперы в Венеции был композитор Клаудио Монтеверди (1567–1643 гг.), которому удалось успешно объединить лучшие черты опер различных итальянских школ. От флорентийской школы Монтеверди взял поэтичность слова, гармонию звучания; от римской школы – духовный подтекст; от венецианской – монументальность. Он написал оперы «Орфей», «Ариадна». Последнюю мы знаем лишь по одному отрывку – «Плач Ариадны». Также до нашего времени дошли такие его оперы, как «Возвращение Улисса», «Коронация Поппеи». Монтеверди считал, что в основе оперной композиции лежит драма, в ходе раскрытия которой проявляются характер и духовный облик героев оперы. Монтеверди предложил тип оперной арии lamento (от ит. жалоба, плач ). В его операх гармонично сочетаются музыка и текст. В основе опер композитора лежит монолог-речитатив, отличающийся ясным звучанием слов.

Со второй половины XVII в. ведущая роль в развитии итальянской оперы принадлежала неаполитанской школе, которая окончательно достроила принципы итальянской оперы. В неаполитанской школе сложился такой тип итальянской оперы, как сериа (от ит. seriaсерьёзный ). В операх этой школы преобладали мифологические и исторические сюжеты. Представителем неаполитанской школы является Алессандро Скарлатти (1660–1725 гг.). Именно в творчестве этого композитора утвердилась опера-сериа. В период жизни Скарлатти сложилось несколько типов арий, среди которых являлись наиболее распространёнными такие: героические, патетические (страстные), жалобные. Также совершенствовались речитативы. Речитативы были двух типов: во-первых, секко (от ит. seccoсухой ) – быстрое пение под скупые аккорды клавесина; во-вторых, аккомпаниато (от ит. accompaniatoс сопровождением ) – выразительная декларация под звучание оркестра.

Второй тип оперы в Италии получил название опера-буффа (от ит. buffaкомическая ). Этот тип оперы сложился в Неаполе. Первый классический образец такой оперы представлен в творчестве Джованни Баттисты Перголези (1710–1736), написавшим в 1733 году оперу «Служанка-госпожа». Опера-буффа касалась обычно лёгких по смыслу тем, связанных с интригами, обманами и шутками. От музыки в такой опере требовалась изящность, лёгкость; а действие должно было развиваться стремительно. Наиболее ярким композитором, занимавшийся оперой-буффа, был Карло Гольдони (1707-1793).

В Италии значительных успехов достигло скрипичное искусство. Основателем римской скрипичной школы считается Арканджело Корелли (1653–1713 гг.), который дал начало жанру кончерто гроссо (от ит. concerto grossoбольшой концерт ). В таком концерте, как правило, принимают участие солирующий инструмент или группа инструментов и оркестр. Корелли в качестве солирующих инструментов выбирал обычно скрипку или виолончель. В это время особенно известным скрипачом и композитором являлся Антонио Вивальди (1678–1714 гг.). Музыка этого блестящего композитора отличается ярким, необычным звучанием, красивыми созвучиями. Вивальди, унаследовавший талант к музыкальному искусству от отца, – скрипача Джованни Вивальди – окончательно выработал форму скрипичного концерта. Здесь следует отметить, что предшественник А. Вивальди – Джузеппе Торелли – построил концерт по образу трёхчастной композиции оперной арии. Эта форма представляла собой трёхчастную структуру, состоящую из крайне быстрых частей и медленной средней. В творчестве А. Вивальди концерт обрёл окончательную форму. Новшеством, привнесённым А. Вивальди, было три жёстких оркестровых аккорда, названных «ударами молотка Вивальди». Также А. Вивальди проявил себя и талантливым оперным композитором. Он писал оперы в стиле seria. В свои музыкальные произведения А. Вивальди вкладывал духовный смысл, к чему предрасполагало то, что композитор был одновременно и священником (практика совмещения духовного сана и карьеры композитора, имевшая место в Италии и не отвергаемая католической Церковью).

Yn 'e 17e ieu. появляется опера также и во Франции. Представителем французской оперы был Жан Батист Люлли (1632–1687 гг.), который предложил французский тип оперы-сериа – лирическую трагедию (от фр. tragedie lyrique ). Оперы Люлли отличались роскошностью и пышностью декораций, яркими костюмами и в целом отвечали требованиям королевского двора. Известной оперой Люлли является опера «Армида», где показан рыцарь-крестоносец Рено, влюбившийся в дамасскую царевну Армиду. Любовь рыцаря заставила его на время забыть о долге. Когда же его товарищи напоминают ему о цели и обязанностях христианского воина, Рено бросает Армиду. Она же в горе и отчаянии разрушает собственное царство. Фактически Люлли показал противоречие между личными чувствами и долгом перед государством, обществом и церковью. В опере звучат арии-монологи, чередующиеся с речитативом, передающим чувства героев оперы.

Достижения в области инструментальной музыки связаны, в основном, с клавиром. Во французской клавирной музыке сложилось два жанра: пьесы-миниатюры, где проигрывалась небольшая сценка, и сюита (от фр. suiteряд, последовательность ). Сюиты – это фактически танцевальные пьесы. Причём сюиты включали в себя танцы различных народов Европы. Например, сюита-аллеманда (от фр. allemande – немецкая); куранта (от фр. courante – бегущая) – итальянская сюита; сарабанда (от исп. zarabanda – старинный испанский танец) – испанская. Каждый из танцев в таких сюитах отражал особенности той или иной нации. Наиболее яркие сюиты были написаны Генделем и Бахом.

В XVI веке в Италии и Франции зарождается балет (от фр. ballet; от лат. balloтанцую ) – вид сценического искусства, основными выразительными средствами которого являются неразрывно связанные между собой музыка и танец.





Sjoch ek:

Orthodoxy en ûnderwiis yn Ruslân

Alde Egyptyske civilization. De genesis fan kultuer

Tradysjes en fernijingen yn kultuer

It begryp fan tiid yn it joadendom

Gean werom nei Tafelingen yn : CULTUROLOGY

2019 @ edudocs.fun